La MUSICA EN EL BARROCO
ESTE PERIODO INICIO EN EL AÑO 1600 Y TEMINO CON LA MUERTE DE JHANN SEBASTIAN BACH EN 1750 Y FUE LLAMADO ASI COMO MUSICA CLASICA O CULTA EUROPEADO.
EL ESTILO BARROCO SURGIO CUANDO SE ENCONTRABAN EN PLENA LUCHA LA REFORMA LUTERANA Y LA CONTRAFEFORMA CATOÒLICA ES POR ESTA RAZON QUE EL TIPO DE MUSICA UTILIZADA EN EL BARROCO SIRVIO COMO MEDIO DE PROPAGANDA UTILIZADA POR LAS IGLESIAS EN COMPETENCIA Y TAMBIEN POR LA ALTA NOBLEZA, QUE ERAN LOS UNICOS DE MANTENER A LOS GRUPOS DE MUSICOS PROFESIONALES.
En los géneros vocales la
música queda supeditada a la poesía, pues su propósito es el refuerzo en la
transmisión del sentido y los sentimientos ligados a la palabra; el espectáculo
de mayor éxito, y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será la OPERA, que es una fusión de poesía, música y teatro y una
condición fundamental es la claridad en
la dicción de los textos, esta es impuesta tanto en la música religiosa como en
la teatral. A partir de acá es done
aparece el estilo RECITATIVO.
En esta época se rompió la
unidad de estilo musical de la
Europa renacentista, es por esto que podemos apreciar diversos
estilos utilizados con plena consciencia por los compositores según el lugar en
el que trabajasen y el género musical practicado, por lo que se vieron grandes
diferenciaciones en los estilos
musicales, dominando dos estilos nacionales en toda Europa en el barroco medio
y tardío, estos estilos son:
El
estilo Francés: Que es un estilo muy conservador esta basado en formas de
danza,
piezas breves (unidas en la suite)
de forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y simétricas, con
armonías muy restringidas y una abundante ornamentación, estandarizada en
figuras escritas.
El
estilo Italiano: Que se caracteriza por una tonalidad fuerte marcada mediante
escalas, cadencias y progresiones; la melodía al servicio de la armonía, las
frecuentes modulaciones, ritmo rápido y armónico, sus formas abiertas de frases asimétricas y el uso de la
improvisación.
En el resto de naciones europeas se limitaron
a imitar a uno u otro de estos dos
estilos.
Las
principales características comunes de la música de la época barroca son:
- La polarización de la textura
hacia las voces extremas (aguda y grave), se destacan la voz superior y el
bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo.
Esta textura suele llamarse bipolar o de monodia acompañada.
La presencia obligatoria
del bajo continúo junto a la
línea melódica más grave (el bajo), se escriben cifras que resumen la armonía de
las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o
varios instrumentos melódicos graves (violoncello, viola da gamba, fagot), más
un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, el órgano positivo
arpa, laúd).
-El desarrollo de la armonía tonal, en
la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales,
armados desde el bajo
continúo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de
acorde).
-El ritmo del propio bajo establece
un compás claro y sencillo
(sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
-El desarrollo de un lenguaje
instrumental propio, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento.
En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda
frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
- Aparecen nuevas formas vocales
e instrumentales: la opera,
el oratorio y
la cantata entre
las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre
las segundas.
- Se dio el gusto por los fuertes contrastes sonoros
(entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta),
materializado en la policoralidad y el estilo concertante, por oposición a la
uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
- El amplio espacio dejado a la improvisacion,
tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Evolución de la música en el barroco
La evolución de la música en el barroco se dio
en varios periodos:
El
Barroco Temprano (1580- 1630)
En este
periodo se evidencian dos novedades principales:
La Policoralidad, típica de la música
religiosa de la escuela veneciana consistente en la alternancia entre diversos
grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones. Una evolución
natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan
instrumentos contra voces, o solistas contra el conjunto general.
La Monodia Acompañada, en la que una sola voz aguda
concentra todo el interés musical. Su acompañamiento instrumental se escribía
de forma taquigráfica como bajo continuo.
El Barroco Medio
(1630-1680)
El éxito
internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular
expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) y en
especial los recursos de la monodía y del estilo concertante. En este periodo se suavizó la dureza del estilo monódico original para
desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente
recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a
entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra
de entradas en los teatros napolitanos y venecianos.
La ópera
francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte del rey Luis XIV, en el mismo tiempo y lugar
en que la familia Hotteterre desarrollaba
los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas travesera y de
pico) y en que se fijaba la Suite Instrumental
Francesa.
En el
norte de Italia, sobre todo en la escuela boloñesa, la música instrumental
sienta las bases de la tonalidad de
las formas del Barroco tardío.
El
Barroco Tardío (1680-1730)
De nuevo
Italia es el país que marca las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más
notables están:
- La plena
adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa: cadencias
frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de
quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta.
- La extensión del
estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de
ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico,
pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo.
La
transición al Clasicismo (1730- 1750)
Géneros y Formas de la Música en el Barroco:
La
emancipación de la música instrumental respecto de la vocal conduce a una clara
separación entre géneros instrumentales y géneros vocales. La música
instrumental alcanzó pronto su madurez con la creación de formas como la
sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior.
Los géneros vocales eran
divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se
cuenta la gran creación del Barroco musical, la ópera, mientras a los
religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata, junto a
antiguas como el motete y la misa.
La
Música Vocal :
La Opera
Los sucesivos
experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas
teatrales habladas forjaron finalmente un espectáculo musicalmente continuado,
en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la opera Entre
las primeras conservadas se cuentan la Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue significativamente tomado
de Las Metamorfosis de Ovidio y Euridice,
también de Jacopo Peri; pero fue Monteverdi con su Orfeo (1607) quien consolidó la
forma.
La evolución posterior y su fusión con
otras formas músico-teatrales acabaron convirtiendo a la ópera barroca en una
representación teatral íntegramente musicada en la
que se suceden números de cuatro tipos:
Recitativos, en los que los cantantes
hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico apenas
acompañado por el bajo continuo.
ARIAS, verdadero núcleo
musical de la ópera. Son números
sofísticos líricos y muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del
lucimiento del cantante y del puro deleite musical. Hacia el final del periodo
se impuso la forma A-B-A, llamada ARIA DA CAPO
Números instrumentales ejecutados por la orquesta
desde el foso, como la sinfonia inicial y, sobre todo, las danzas
bailadas en escena.
Coros, generalmente a
cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.
En esta época
se impuso la opera en toda Europa:
además, con la notable excepción de Francia, el italiano siguió siendo el
idioma de los libretos y la
temática casi siempre era mitológica,
aquí nació la llamada opera seria, que fuera la cuna del triunfo de los
compositores con pretensiones de éxito. Paralelamente aparecieron géneros
músico-teatrales más populares, con tramas a veces humorísticas y pasajes hablados
en lugar de recitativos. Estos
espectáculos se introducían bien a modo de intermedio entre los actos de la
ópera seria o bien como obras independientes; éstos recibieron diversos nombres
en cada país ejemplo; singspiel, en Alemania, zarzuela, en España; opera Buffa
e intermezzi, en Italia; opera comique, en Francia.
El
oratorio
Este género musical es idéntico a
la ópera ,aunque con más énfasis en los
coros, solía tener una temática religiosa, y casi siempre se escribían en
lengua vernácula y no eran escenificados. El más famoso ejemplo es el Mesías de Handel y LA PASION SEGÚN SAN
MATEO, de Bach es su mas importante ejemplo.
La
cantata
Es una Obra de uso litúrgico que
intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. La
composición y ejecución de nuevas cantatas religiosas en lengua vernácula era
parte de las obligaciones cotidianas de los músicos de los países luteranos,
caso de Bach. También se escribieron cantatas profanas, que eran como especie
de mini óperas.
El Motete
Es una forma musical ya marginal en el Barroco.
La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales
escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto.
La Música Instrumental
La música instrumental, surge sin precedentes en los siglos
XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental
estaban en plena igualdad. Hubo un gran florecimiento en formas musicales,
técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un profundo conocimiento
de la técnica de los instrumentos, al servicio de una fuerte expresión
emocional: son típicos testimonios como el de Francius Raquenet y el violinista Arcangelo Corelli quien, cuando tocaba en público, perdía el dominio de sí
mismo.
Piezas para
Instrumentos Solistas:
Preludios, Tocatas, Fantasías y Fugas; Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un
instrumento solista, generalmente de teclado, de carácter improvisatorio; como
tales, suelen ser rapsódicas, cargadas de ornamentación, de forma y compás poco
definidos y de textura variable. Esas
piezas improvisatorias solían ir seguidas de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces): forma derivada del antiguo Ricercare, en ella una breve melodía
llamada sujeto es presentada
inicialmente en cada una de las voces y desarrollada después en contrapunto
imitativo.
La Sonata
Esta es una
composición para canto solista y bajo continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una
composición para ser sonada, esto es, para uno o dos instrumentos más el habitual bajo continuo. La combinación más
habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para la o las voces
superiores, más violoncello y
un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el continuo: su
textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. Derivada de la canzona del Barroco temprano, la
sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes.
El Concerto Grosso
A finales del XVII se
consolidó el concepto de orquesta como conjunto en el que varios instrumentos
de cuerda interpretan al unisono una misma línea melódica, de suerte que una música escrita a
tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o
cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o
veinte músicos.
Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa
orquestal completa con otros para los solistas del conjunto (concertino,
habitualmente formado por dos violines y un violoncello). A las obras así
escritas se les llamó concerti Grossi.
La Suite
Es una sucesión de movimientos o
piezas de danza que se interpretan seguidas. Su secuencia mínima clásica
incluía:
Allemande:
danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.
Courante:
movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás
ternario y frecuentes hemiolias.
Zarabanda:
danza lenta de compás ternario que acentúa
su segundo pulso, de origen español.
Giga:
danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
A las que
se podía añadir una obertura inicial
más otras danzas tras la giga, elegidas libremente, como por ejemplo:
Minué:
de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués
emparejados.
Rondó:
pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B, C, D,
etc.).
La Suite
era carácter aristocrático, vigoroso
rítmicamente y muy sofisticado en lo melódico, se derivó de los ballets de cour de la corte
francesa de Versalles y acabó infiltrándose en toda la música instrumental
francesa, alemana e incluso italiana, tanto para instrumentos solistas (clave,
laúd) como para grupos de cámara o conjunto orquestal..
Instrumentos musicales
Violín, Violonchelo, Flauta Travesera,
Oboe, Órgano, el Clave, Arpa, Laúd, clavecín, trombón, trompa, viola de gamba,
cistro, cornetto, clavicordio, espineta, fagot, flauta dulce, guitarra
morrisca, mandolina, sacabuche, tiorba, trompeta, trompeta marina, viola de
amor, viola de braccio, violón zanfona.
Principales Compositores
Italia
Giovanni Gabrieli, Claudio Monteverdi, Arcangello
Correlli, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Alesandro Scarlatti, Giuseppe
Torelli, Giuseppe Tartini, Girolamo Frescobaldi, Tomaso Albinoni.
Alemania
Heinrich Schutz, Johann
Hermann Schein, Samuel Scheidt, Johann Pachelbel, Emanuel Bach, Georg Philipp,
Johann Jakob Froberger, Johann Sebastian Bach.
Inglaterra
Henry Purcell, John Blow, Georg Friedrich Handel,
Thomas Augustine Arne, William Boyce.
Francia
Jean Baptiste
Lully, Marc Antoine Charpentier, Francois Couperin, Louis Marchand, Jean
Philippe Rameau.
Espana
Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Francisco Corselli,
Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini.
Obras mas Representativas de esta Epoca
1607
Orfeo (Opera)
Claudio Monteverdi
1635
Fiori Musicali
Firolamo Frescobaldi
1640 Selva morale e spirituale Claudio
Monteverdi
1676
Atvs (opera) Jean
Baptiste Lully
1689
Dido y Eneas Henry
Purcell
1700
Sonatas para violin y bajo cont.
Arcangello Corelli
1717 Musica
Acuatica
Georg Friedrich Handel
1722
Concierto de Branderburgo
Johann Sebastián Bach
1722-44 El
Clave Bien Temperado
Johann Sebastián Bach
1724 Giulio
Cesare Georg
FRIEDRICH Handel
1725 Las Cuatro Estaciones Antonio Vivaldi
1727
Pasion Segun San Mateo Johann
Sebastián Bach
1713- 1730
Cuatro Libros de Ordenes Francois Couperin
1733
Tafelmusik Georg
Philipp Telemann
1738
Ejercicios para Clavincefalo
Domenico Scarlatti
1742 El
Mesias Georg
FRIEDRICH Handel
1749-50 El
arte de la Fuga
Johann Sebastián Bach
1728-50 Misa
en si menor Johann
Sebastián Bach
